Подготовка к работе и кое-что еще

Если вы отказываетесь изучать анатомию, искусство рисунка и перспективы, математические законы эстетики и колористику, то позвольте вам заметить, что это скорее признак лени, чем гениальности. Сальвадор Дали

К работе обязательно надо подготовиться. Хорошая подготовка гарантирует отсутствие "боязни белого холста". Если предстоящая работа продумана, если ясны и ее цели, и те методы, которыми они будут достигаться, то наоборот возникает сильное желание поскорее приступить к ней. Время, затраченное на подготовку, всегда окупается.

Вот что можно порекомендовать в плане подготовки к работе над картиной.

• Выбрать объект (натуру или фото), на основе которого будет строится картина. Он должен быть интересным, вызывать положительные эмоции и желание рисовать. И он должен быть доступным по силам. Последнее можно понять, если выполнить следующие шаги.
• Проанализировать композицию и внести в нее изменения, если нужно. Возможно там есть лишние объекты, которые отвлекают внимание. А может чего то не хватает. Объекты переднего плана могут потребовать такой детализации, с которой слишком сложно справиться. Почти всегда фото требует обрезки под нужный формат холста. Иногда бывает завалена линия горизонта или ее хочется сместить вниз. Практически любую композицию можно улучшить. Все это можно сделать на компьютере в редакторе изображений.
• Разобраться, как организовано освещение объектов, где находится источник света (или источники, если их несколько), как падают тени. Определить, какие потребуются колера и даже прикинуть то, как их получить. Подумать, какие приемы работы с кистью можно будет использовать. Неплохо все это записать, а при работе над картиной записи корректировать. Именно так нарабатывается тот опыт, который обязательно пригодится и в этой, и в следующих работах.
• Очень рекомендуется сделать копию исходника в карандаше на бумаге. Это поможет понять форму объектов и то, как они расположены в пространстве. Но самое главное - то, какими изобразительными средствами это можно передать. Часто в целом понятная фотография при более внимательном рассмотрении оказывается не очень ясна в деталях, а это может оказаться непреодолимой трудностью при работе с холстом и красками. Натурные объекты в этом плане подходят лучше, но там могут происходить изменения, за которыми с непривычки бывает трудно уследить. Например, может меняться освещение. Карандаш даст возможность изучить то, как будет устроена будущая картина. После выполнения рисунка должно быть совершенно ясно, что на ней будет изображено и какими средствами этого можно достичь. В процессе рисования уточняется композиция и становятся более понятны отношения света и тени.

Создание картины - плановый процесс. Последовательность создания красочного слоя должна быть продумана с самого начала работы и ее надо придерживаться. Да, при большом опыте и невысоких требованиях можно закончить картину за один сеанс. Часто так и делают - оставляют все на уровне этюда. Но в большинстве случаев все-таки требуется несколько, а может быть даже много подходов к холсту. Правилом должно стать, что перед каждым сеансом составляется некий план, часть общего большого плана работы над картиной. Пусть даже это будут всего несколько десятков мазков. Обязательно надо представлять себе конечный результат. Здесь немного изменить форму, там - цвет, добавить детализацию и всякое такое. Если четко представлять задачи, которые решаются в каждом конкретном сеансе, то картина будет продвигаться и результат будет виден. Как этого добиться? Смотреть на свою работу, сравнивать с исходником, всматриваться в цветовые пятна, искать нужную технику для конкретного фрагмента.

Необходимость плановой работы вызвана не стремлением к педантизму. Художники давно заметили, что при работе вдруг наступает момент, когда становится неясно, что делать дальше. Просто непонятно, куда класть следующий мазок. Вроде надо улучшать, работать дальше, но идей нет. В такой ситуации надо немедленно остановиться. Продолжение опасно, так было испорчено много картин.

Детализация не должна быть одинакова на всем холсте. Объекты, расположенные ближе изображаются более подробно, а те, что находятся дальше - несколько обобщенно. Но в пределах каждого из планов - переднего, среднего и дальнего - степень подробности должна быть примерно одинакова. Во всяком случае разница не должна бросаться в глаза. Если одни объекты изобразить очень подробно, а другие почти схематично, то не будет ощущения цельности работы. Еще - на периферии картины обычно изображаются второстепенные объекты и художники часто не прорабатывают их в полную силу, чтобы не отвлекать внимание зрителя. Как из любого правила, из этого тоже есть исключения. Например, картины Вермеера проработаны равномерно по всему холсту. Этим они напоминают фотографию. Тем не менее, это живопись и притом из лучших.

Немного о рабочем месте. Очень хорошо, если получится устроить все так, чтобы можно было быстро начать (или продолжить) рисовать. Просто подойти к холсту и начать. Это сильно снижает психологический барьер инерционности и позволяет работать подчинившись импульсу. На рабочем месте все, или почти все, должно быть готово. Холст все время стоит в ожидании, он все время на виду. Пусть мимолетно, но мы на него смотрим. И замечаем время от времени то, что требует вмешательства. Рядом чистая палитра. Кисти. И все то, что нужно.

Не всегда получается сразу переключиться и начать рисовать. Здесь может помочь маленькая хитрость. Пусть не все будет готово для работы, а почти все. Осталась какая-то мелочь, например, налить в емкость разбавитель, может приготовить тряпки, или что-то подобное. Это потребует совсем немного простых, "не творческих" действий, но послужит переключателем, мостиком к творчеству, позволит легко перейти к работе над картиной.

Освещение холста должно быть примерно таким, каким оно будет для готовой работы. Если оно недостаточно, то картина получится слишком светлой. А если холст освещен слишком ярко, то картина будет темной.

Не рекомендуется работать при искусственном освещении, по крайней мере поначалу. Это связано с тем, что практически все светильники искажают цвета и снижают контрастность, а это обязательно скажется на результате. Но... Некоторые великие художники работали и ночью, например, Гойя, Айвазовский. Мастера такого уровня и с таким опытом умели не делать ошибок в подборе тона и цвета. К тому же их работы как раз и были рассчитаны на то, чтобы хорошо выглядеть при свете свечей.

Холст (или тот его фрагмент над которым идет работа) должен располагаться на уровне глаз. Во всяком случае он должен быть хорошо виден и легко доступен для кисти.

В то же время на всех этапах, от рисунка до законченной картины, надо видеть весь холст целиком. Если долго прорабатывать какое то одно место, то глаз неизбежно "замыливается" и проблемные места можно пропустить. Поэтому надо постоянно переходить от одного фрагмента к другому, а иногда остановиться и спокойно рассмотреть то, что получается свежим взглядом. В процессе работы изображение должно проявляться постепенно, но по всему пространству холста. В любой момент картина должна быть картиной, свет, объекты должны быть видны. Такой подход позволяет не допустить того, что работа потеряет цельность и распадется на части.

Правилом должно стать разнообразие мазков. Нельзя допускать, чтобы в них угадывалась система. Листья и ветви дерева, трава в поле, пена на волнах, трещины в скалах - практически вся живопись строится на повторяющихся элементах. И в то же время каждый из них должен быть, как и в реальном мире, неповторимым. В совокупности мазки должны создавать неповторяющиеся, нерегулярные и не похожие друг на друга группы. Общая форма этих групп мазков должна соответствовать форме объекта - дереву, полю, волнам, скалам. Но сами мазки должны быть разного размера, наноситься в разных направлениях и различным способом.

Для того, чтобы понять, что это дает, можно сделать на куске картона насколько отличающихся мазков одним и тем же колером и одной и той же кистью. Выглядеть они будут по-разному, к тому же их вид будет зависеть от угла под которым падает свет и от угла под которым они видны зрителю. Любая картина состоит из мазков краски и не может быть абсолютно гладкой. Различные по своему исполнению мазки позволяют придать изображению дополнительную реалистичность.

Стиль мазков должен соответствовать характеру изображаемого объекта с учетом освещения.

Скорее всего, а это зависит от изобразительной задачи, мазки краски в каждом пятне будут иметь слегка разный тон и разный оттенок цвета. Все должно мерцать, как это и есть в природе. Включая изображения объектов, созданных человеком. Ведь даже свежепокрашенный забор не выглядит однотонным и одноцветным.

На всех этапах работы нужно внимательно следить за тем, чтобы не повторяться и сразу исправлять, если такое появилось. Это трудно, потому что человек подсознательно стремиться к системе, к порядку, к предсказуемости. Гораздо проще рисовать травинки через равные интервалы и в одном и том же направлении. Но так делать нельзя. Работа сразу на всей площади холста, о чем говорилось выше, в какой-то степени помогает изменять стиль мазков. И все равно за этим надо постоянно следить. Со временем разнообразие войдет в привычку.

Некоторые художники советуют сразу брать для работы холст большого размера. Даже иногда называют минимальный, например, - 50х70 см. Начинающему с такими холстами просто не справиться, если речь идет о классической живописи кистью, а не о мастихиновой живописи, где все несколько по-другому, а краска расходуется в неимоверных количествах. Для начала лучше взять холст примерно 30х40 см для большинства работ или 30х50 см для широкого формата. Очень удобен размер 40х50 см, но после приобретения некоторого опыта. В то же время форматы со стороной меньше 30 см также лучше не брать. На таких холстах большинство объектов будут мелкими, а работа над ними станет мучением - здесь требуется навык.

Не стоит относиться к средним и малым форматам свысока. Они очень полезны для этюдов. Этюд является упрощенным изображением. Он содержит меньше деталей, но стремится к точности в композиции, тональных и цветовых решений. Законченный этюд позволяет переосмыслить эти вещи и внести изменения при работе над картиной. Работа над этюдом занимает меньше времени. Предварительно сделанный этюд сильно помогает при работе над картиной потому что многие задачи в нем уже решены или становится понятно как их решать.

И.К. Айвазовский. Лагуна. Этюд.

И.К. Айвазовский. Бухта Ялты.

Малые форматы незаменимы для тренировки. За то время, которое требует работа над холстом размером 40х50 см, можно сделать 5-6 форматов 15х21 см на разные сюжеты. Это очень помогает в овладении навыками живописи. И это очень дешево, если использовать, например, обычный оргалит. Его надо только загрунтовать художественной грунтовкой или просто акриловой белой краской. Можно экспериментировать с разным цветом грунта, пробовать разные техники. Сначала пытаться передать картинное пространство крупными цветными пятнами и затем постепенно уменьшать их переходя к детализации. Это - хороший и быстрый способ освоиться с ремеслом.

Несмотря на тщательную подготовку к работе над картиной, бывает, что какое то место на холсте упорно не получается. Возможно, что вообще ничего не получается. Это вызывает досаду и требуется немалое усилие, чтобы все-таки продолжать. Прежде всего в такой ситуации нужно подавить в себе отчаяние, которое естественным образом возникает при неудачах не только у художников, а у всех людей и в любой сфере деятельности. Это просто необходимо сделать.

Далее - обычно дается стандартный совет - больше практики, рисуйте каждый день. Это так, но одной практики недостаточно, сама по себе она не даст результата. Чтобы понимать это не надо быть Эйнштейном, которому приписывают такую фразу: "Бессмысленно продолжать раз за разом делать то же самое и ждать других результатов". Можно сделать десять попыток и все они будут одинаково плохи. Поэтому обязательно нужно разобраться в технологии, понять - как делать. Это может оказаться сложным, не исключено, что потребуются перерывы в работе, время на осмысление проблемы. Потому что далеко не всегда бывает понятно, как преодолеть возникшее затруднение, особенно если не с кем посоветоваться. Более опытный художник, возможно, мог бы что-то подсказать. Если бы у него возникло такое желание, что совсем не обязательно. Но можно найти решение самостоятельно.

Как правило, подобные трудности бывают вызваны одной из двух причин.

Первая причина - фрагмент не понятен. Например, надо изобразить камни, которые видны на оригинальном фото. Чтобы их изобразить правильно, требуется понять форму, размер, взаимное их расположение. Если этого нет, то ничего не получится. Решается такая проблема достаточно просто. Эти камни надо нарисовать, скопировать карандашом на бумаге, возможно внести некоторые изменения. Возможно что-то упростить не стремясь к абсолютному совпадению с оригиналом. В процессе рисования все станет ясно. Изображаемый объект надо представить себе так, как он будет выглядеть на холсте. Представить то, что должно получиться. Без этого не нарисуется. Все равно как езда на автомобиле - нельзя ехать, если не видно куда.

Вторая причина - используются не те приемы. Вся живопись состоит из несложных технологических приемов. Море рисуется не так, как дерево, скалы не так как дома и т.д. Эти приемы надо знать, накапливать, осваивать на практике и использовать в нужный момент. Здесь опять же поможет копирование хороших картин. С раннего детства основным методом обучения для нас является копирование приемов, движений того, кто умеет. Это верно не только для живописи, но для любого вида деятельности. Обучение профессии, спорт, литература - везде мастерство начинается с простого подражания. Копирование и многократное повторение это ключ к успеху. Но, конечно, помогает не только копирование. Книги и просмотр видеоуроков тоже могут что-то подсказать. Еще лучше, если есть возможность пообщаться с более опытным художником. Процесс обучения сродни поднятию в гору. Сначала ничего не получается. Затем, после некоторой доли мучений, какой-то прием становится понятен и что-то начинает получаться. Это вызывает удовлетворение и дает передышку. Дальше приходит понимание, что нужны еще приемы и они снова представляют проблему, которая в конце концов разрешается. И так далее, до бесконечности. Чем больше человек умеет, тем свободнее он выбирает сюжет, тем смелее он работает и быстрее достигает результата. И, кстати, тем проще ему освоить новые приемы или даже придумать их.

Мало представлять себе образы, надо также представлять как нарисовать все это. Что сначала, что позже, что в конце. Как изобразить край облака, ветку дерева, трещины на скале. Когда изображаемый объект понятен в деталях и технические приемы освоены, работа займет очень немного времени, по крайней мере на этапе подмалевка. Это один из показателей профессионализма. Как правило, основные затраты времени всегда связаны с прорисовкой деталей, с отделкой картины.

Это значит, что в целом надо быть готовым к большим затратам времени. Хорошо детализированную работу размером примерно 100х80 см профессиональный художник может делать около месяца, если считать по 7-8 часов в день. И даже больше. Вермеер делал 1-2 картины в год. С другой стороны, Айвазовский мог за один день полностью закончить три картины. У всех по-разному. Это не плохо и не хорошо. Единственное, что имеет значение - темп работы не должен в худшую сторону сказываться на качестве. Да, некоторые художники работают очень быстро, но начинающим на такое рассчитывать в любом случае не стоит. Со временем - может быть, но не сразу. Вообще, живопись относится к тем занятиям, которые невозможны без способности продвигаться в работе мелкими шажками, преодолевая рутину и скуку, тщательно выделывая мелкие детали. Получаемое удовольствие - залог успеха. Если нравится сам процесс, то и результат будет рано или поздно. Это похоже на плетение кружев, вышивку, ювелирное дело, техническое черчение, сборку электронных схем. Но совсем непохоже на спорт, туризм или офисную работу. Иногда, если повезет, процесс создания картины становится настоящей медитацией. Наступает состояние полной сосредоточенности на предмете, все, что мешает игнорируется. Такая концентрация приносит огромное удовлетворение и обязательно сказывается на результате.

Конечно результат важен. Художники, как и все люди, делятся не тех, кто больше сосредоточен на процессе и на тех, кому интереснее результат. И все же ключ к успеху - полюбить процесс. И тогда будет результат, а на самом деле и то, и другое.

Здесь возникает очень интересный вопрос: почему некоторые картины получаются очень быстро и при этом вполне удовлетворительно, а другие продвигаются медленно, иногда их даже приходится бросать недоделанными из-за того, что работа никак не идет? Такое бывает у всех. Вторая часть этого же явления состоит в том, что переделать, улучшить ту работу, которая не получилась, часто бывает невозможно, ее надо делать заново, с нуля. Или вообще не делать.

На поверхности лежат несколько причин для этого.

Прежде всего - незнание или недостаточное владение приемами, которые необходимы в данной конкретной работе. Если требуется изобразить розовый туман на дальнем лесном плане, то без владения нужной в данном случае техникой ничего не получится. Следовательно, надо выяснить в чем она состоит и применить ее.

Очень сильно сказывается на результате отсутствие интереса к сюжету. Он может быть внешне привлекательным, но не затрагивающим художника. В этом случае картина даже если получится, не затронет и зрителя. Всегда при выборе сюжета надо понять, чем он понравился, какой объект или зрительный эффект притягивает взгляд. А это всегда что-то конкретное. Может быть - необычное облако или интересная игра света и тени, на самом деле - что угодно. И при работе над картиной этот момент нельзя упускать, он должен появиться в законченной работе. Зритель может этого не понять и просто оценить работу как хорошую, в которой "что-то есть". Но художник должен знать совершенно точно, что его заинтересовало и что он стремился передать.

Еще одно препятствие можно определить как забитость сознания посторонними мыслями. Большинство людей могут решать в конкретный момент времени только одну важную интеллектуальную задачу. Возможно, что даже не большинство, а все. Очень вероятно, что разговоры про тех, кто может делать два или три дела одновременно - фантастика. Конечно, можно одновременно пить кофе и вести легкую беседу, но здесь речь не об этом. Живопись требует значительного интеллектуального напряжения и все, что отвлекает - мешает. Многие художники работают под фоновую музыку. Но это всего лишь фон, такой же, как предметы обстановки в студии. Этот фон не отвлекает, а только помогает настроиться. Если что-то мешает, то это надо убрать. Бытовые вопросы надо либо решить заранее, либо жестко отодвинуть на более поздний срок. Если музыка мешает - выключить ее. Если нечто важное не дает сосредоточиться, то это надо сделать и затем уже не отвлекаться.

Так все же - переделывать или делать заново? Художники иногда вспоминают пословицу: "Что сделано хорошо, то сделано дважды". Это можно трактовать по-разному. С одной стороны, если бросить неудачную работу и попытаться начать ее с нуля, то скорее всего результат будет точно таким, как и в прошлый раз. Напротив, исправление неудачи может многому научить. Приходит понимание причин, вырабатывается техника. Наконец, это просто совершенно необходимый опыт, который всегда может пригодиться. И, между прочим, психологическая тренировка. Переделывают даже самые опытные мастера, со всеми случается. С другой стороны, если прошло много времени и появились нужные навыки, а сюжет по-прежнему интересен, то можно вернуться к старой неудачной работе и не заниматься исправлением ошибок, а сделать работу полностью как новую.

Еще один вопрос связан с тем, можно ли одновременно работать над несколькими картинами? Не исчезнет ли так называемое "вдохновение"? Ответ - можно и даже нужно.

Масляная живопись сохнет довольно долго. Если картина не сделана за один раз, пока краски не "встали", а это день, максимум два, то перед дальнейшей работой красочный слой надо просушить. Об этом будет сказано подробнее. Здесь же важно, что такие перерывы можно заполнить работой над другой картиной. Такая практика обычна для художников. В производстве могут находиться две, три или даже большее количество картин. Дополнительно это позволяет каждый раз увидеть свою работу заново, а это очень помогает найти места, которые требуют внимания.

Насколько картина должна быть детализирована? Другими словами - когда работа закончена? Здесь каждый решает сам. Но главным является, как ни странно, не опыт и не навык, а степень требовательности к себе. Не надо слушать тех, кто говорит, что все выглядит отлично и картина готова. Если есть желание что-то изменить или добавить, то это нужно сделать. Уильям Тернер даже на персональную выставку пришел с красками и что-то переделывал и дописывал. Но надо знать меру. Известно, что Третьяков приказал не пускать в свою галерею тех художников, которые пытались "улучшить" свои, но уже купленные им картины.

Когда картина будет готова, она сама даст это понять.

А как определить, хороша она или нет? На этот вопрос ответить совсем просто. Вот работа готова и стоит на просушке. Она попадается на глаза много раз за день. Останавливается ли глаз на ней на следующий день, через три дня, через неделю? Интересно ли на нее смотреть? Хочется ли подойти? Если да, то все получилось. Академик Б.В. Раушенбах предположил, что недосказанность составляет важную черту всякого выдающегося художественного произведения. Возможно, что в поисках ответа мы и смотрим на хорошую картину не один раз, а возвращаемся к ней снова и снова.